Având în vedere că rolul său este de a capta spiritul, Bienala Whitney a fost numită multe lucruri - provocatoare, uluitoare și chiar polarizante - încă de la începuturile sale, în 1932. Precedentul până la cea mai recentă ediție, care se deschide pe 17 martie, a fost primul în două decenii care a coincis cu alegerile prezidențiale din SUA, așa că așteptați-vă la o călătorie tumultoasă. „Mulți artiști în acest moment încearcă să negocieze această tensiune între păstrarea unui sine privat și reunirea în acțiuni colective”, a spus curatorul independent Mia Locks, care împreună cu Christopher Y. Lew, curator asociat la Whitney, a organizat Bienala din acest an după vizitând studiouri ale artiștilor, dealeri și curatori în aproximativ 40 de orașe. „Ei întreabă: „Cine suntem noi ca indivizi? Cine suntem noi ca comunitate?’ și reconsiderând lucruri fundamentale pe care poate le luam de bune.”
Printre cei 63 de artiști prezentați lucrând în diverse medii, se numără artiști consacrați precum americanii Larry Bell și Dana Schutz, debutanți precum Torey Thornton și Shara Hughes și colectivități precum GCC din Golf și trio-ul american Postmarfa. Acesta din urmă este cel mai bine cunoscut pentru instalarea unui „gard respingător” de două mile de 26 de baloane de-a lungul graniței dintre SUA și Mexic; la Whitney, va prezenta „A Very Long Line”, o proiecție video captivantă și discordantă care se învârte.toți cei patru pereți ai unei camere pentru a transmite punctul de vedere al unui pasager într-o mașină care conduce de-a lungul aceleiași granițe aprinse dezbătute/contențioase.
Conexiunea cu locul este o altă temă care se desfășoară prin această bienală. Raul de Nieves, care s-a născut în centrul Mexicului și a migrat în San Diego la vârsta de nouă ani, se conectează cu moștenirea sa mexicană prin lucrări care ruminează despre tranziție și renaștere. Un perete de vitralii, realizat din materiale umile „de artizanat” precum bandă, hârtie, margele și geluri foto, joacă pe ideea metamorfozei cu o muscă ca motiv central. „Muștele sunt întotdeauna înconjurate de ideea de boală și frică”, a spus el. „Sunt enervante, ceva la care nu vrem să ne gândim. Dar într-un fel simbolizează umilința și actul de a fi uman.” Căutați sculptura lui de pantofi asemănătoare coralilor, construită de-a lungul anilor folosind mărgele minuscule din plastic și procesiunea fascinantă a figurilor religioase, realizate din fire presate sau mărgele, care servesc drept costume în lucrările sale de spectacol.
Pictorul Henry Taylor din Los Angeles își îndreaptă, între timp, privirea către comunitățile pe care le cunoaște - fie că sunt pacienții de la spitalul de boli psihice în care a lucrat cândva sau, mai recent, oameni de pe străzile din jurul studioului său din centrul orașului. L. A. Maya Stovall, antropolog și coregraf, dansează în fața magazinelor de băuturi din cartierul ei din partea de est a Detroitului, înainte de a intervieva patronii locali și trecătorii despre oraș, străzile din jurul lor și locul artei în viața lor. Rezultatul este „Liquor Store Theatre”, o serie de videoclipuri realizatepatru ani care combină spectacolele, interviurile și observațiile lui Stovall. Spectacolele ei, a spus ea, „au devenit parte din scena cartierului”, ceea ce creează un nivel de confort cu subiecții ei, dintre care mulți au invitat-o în bucătăriile lor pentru a vorbi.
Alte lucrări bienale sunt concepute pentru a incita dislocarea psihologică. Canapelele noduroase, transformate, ale lui Kaari Upson, ultima ei dintr-o serie de sculpturi de mobilier, se vor întinde peste o galerie „ca o infecție, răsturnând ideea de confort pe dos”, a spus Locks, în timp ce instalațiile dezorientate ale Samarei Golden creează un sentiment de „să cadă în abis.”
Cu oglinzi pe tavan și podea care produc o cameră infinită, „Hainele de fier ale Tocătorului de Carne” de la Golden se întinde pe aproximativ 33 x 14 picioare și prezintă o serie de spații domestice stivuite care se ridică de la o cameră de spital sumbră și la un birou. apartament confortabil și penthouse de lux. Stările psihologice induse de spațiile domestice au fost o temă în munca ei, inspirată parțial de experiența ei de asistare a tatălui ei, un fotograf comercial, în documentarea caselor de bătrâni. (Golden a aranjat scenele.) Ideea ei a fost să pună aceste camere, sau „clasele”, așa cum le-a gândit ea, una peste alta, astfel încât, prin realizarea piesei, să apară un sentiment de coeziune. „Dar”, a spus Golden, „având în vedere ciclul constant al știrilor din ultima vreme, mi-am dat seama că modul în care funcționăm în America nu poate fi rezolvat. Există o confuzie nesfârșită despre cum să fii în această lume, dacă ai de ales.”
Poate cea mai deranjantă muncă pe care probabil o vei faceexperiența este „Violența adevărată” a lui Jordan Wolfson. Experimentat prin intermediul unei căști VR, îl înfățișează pe artist bătând cu sălbăticie un alt bărbat. Proiectul a luat naștere din interesul lui Wolfson de a elimina posibilitatea interactivității dintr-un mediu interactiv, ceea ce l-a determinat să se gândească la sentimentul de groază pe care îl simțim când asistăm la violență, fie în viața reală, fie prin intermediul imaginilor care ne inundă zilnic. Pentru a recrea cum ar putea simți acel act de a asista, artistul a construit și filmat un manechin animatronic; în post-producție, el a modificat filmarea folosind tehnologia 3-D de schimbare a feței - adică fața și mâinile unui actor uman. Scopul a fost ca imersiunea să fie cât mai reală. Wolfson a numit lucrarea de 90 de secunde o „sculptură a corpului” - mărește senzația în corpul privitorului și provoacă o distorsiune fizică și contextuală. Când vine vorba de sfârșitul său brusc, „s-ar putea să vrei să sari și să te uiți în spatele tău și să întrebi: „Ce am văzut tocmai?””, a explicat el. „Dar nimic nu este acolo. Și apoi scoți căștile și dintr-o dată te afli în spațiul muzeului și totul este diferit. Este dezorientator.”
